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Filme | Kritiken

In the Hand of Dante

Titel In the Hand of Dante
Genre Thriller, Historie
Jahr 2026
FSK 16
Regie Julian Schnabel

Starttermin: 24.06.2026 | Netflix

Von Venedig zu Netflix: „In the Hand of Dante“ bleibt ein schwieriger Film

Oscar Isaac, Gal Gadot, Gerard Butler, John Malkovich, Al Pacino, Jason Momoa – manche Castlisten sehen nicht aus wie eine Besetzung, sondern wie ein Versprechen. Nach großem Kino. Nach Prestige. Nach einem Film, der allein durch seine Namen genug Gewicht mitbringt, um auch Menschen anzulocken, die mit Dante Alighieri sonst vermutlich nur dann in Berührung kommen, wenn irgendwo das Wort „Inferno“ fällt. Wer also ohne Vorwissen auf „In the Hand of Dante“ stößt, könnte leicht etwas anderes erwarten. Ein historisches Epos vielleicht. Einen düsteren Thriller. Ein Netflix Starvehikel mit Oscar Isaac im Zentrum. Julian Schnabel macht daraus etwas, das mit all diesen Erwartungen nur am Rand zu tun hat. Schon bei der Weltpremiere bei den 82. Internationalen Filmfestspielen von Venedig soll der Film selbst ein experimentierfreudiges Festivalpublikum eher ratlos zurückgelassen haben. Das ist erst einmal kein Problem. Kino darf sperrig sein. Es darf sich querstellen. Es darf einem die Hand verweigern, statt artig durch seine Handlung zu führen. Vielleicht hätte genau darin sogar der Reiz liegen können: ein prominenter Cast als Köder, der ein breiteres Publikum unversehens in ein wilderes, ungezähmtes Kino zieht. Weg von sauber ausgeleuchteter Streamingware. Rein in ein Werk, das sich traut, größenwahnsinnig, widersprüchlich und unbequem zu sein. Nur stellt sich nach der Sichtung eine ziemlich unangenehme Frage: Ist „In the Hand of Dante“ wirklich der richtige Film für diese Mission?

^{In the Hand of Dante} ^©Netflix

Denn Maßlosigkeit allein ist noch kein Mut. Verwirrung noch keine Tiefe. Und ein Film, der sich benimmt, als müsse er in jeder Szene Kunst, Tod, Religion, Sünde, Begehren und gleich noch die ganze Menschheitsgeschichte verhandeln, kann am Ende auch einfach unter dem Gewicht seiner eigenen Wichtigkeit zusammenbrechen. Die Vorlage von Nick Tosches war schon kein Stoff, der nach einer einfachen Verfilmung gerufen hätte. Sein Roman aus dem Jahr 2002 bewegte sich zwischen literarischem Fiebertraum, historischer Gelehrsamkeit und dreckiger New Yorker Unterwelt. Dante und Gangster. Heiligenverehrung und Obszönität. Manuskriptkunde und Gewaltfantasie. Schnabel nimmt all das nicht nur auf, er schüttet noch mehr Öl ins Feuer. In der Gegenwart taucht ein angebliches Originalmanuskript von Dantes „Göttlicher Komödie“ auf – ein Fund, der den Literaturbetrieb erschüttern würde und sofort Begehrlichkeiten weckt. Das Dokument gerät in die Hände krimineller Mittelsmänner und landet schließlich im Umfeld des New Yorker Gangsterbosses Joe Black (John Malkovich). Von dort aus beginnt eine Jagd nach einem Stück Papier, das längst nicht mehr nur historisches Artefakt ist, sondern Projektionsfläche für Gier, Macht, Glauben und den sehr menschlichen Irrsinn, alles besitzen zu wollen, was eigentlich unberührbar bleiben sollte.

Wenn aus Bedeutung am Ende nur Behauptung wird

Parallel dazu springt die Handlung ins Leben von Dante Alighieri (Oscar Isaac). Nach seiner Verbannung aus Florenz durch Papst Bonifacio VIII. (Gerard Butler) irrt Dante krank, mittellos und innerlich zerrissen durch Italien. Er sucht Zuflucht, wird verfolgt, schreibt, leidet, hängt in einer Ehe mit Gemma Donati (Gal Gadot), die kaum mehr ist als eine gesellschaftliche Tatsache, und klammert sich zugleich an den Geist seiner verstorbenen Muse Beatrice. Aus Schuld, Sehnsucht, religiöser Angst und dichterischem Wahn soll nach und nach jenes Werk entstehen, das später als „Göttliche Komödie“ in die Literaturgeschichte eingeht. Das klingt nach Rausch. Nach einem Film über Kunst, der selbst Kunst sein will. Nach Gangsterkino, Gottesangst und Höllenfahrt. Und für ungefähr dreißig Minuten funktioniert dieser Größenwahn sogar. Dann schaut man auf die Laufzeit und merkt: Es liegen noch mehr als zwei Stunden vor einem. Blöd. Schnabels Gegenwartsebene sieht in ihrem fast chromglänzenden Schwarz-Weiß-Look zunächst großartig aus. Auch der unverhohlene Blick Richtung Tarantino stört am Anfang kaum. Wenn Gerard Butler als redseliger Knochenbrecher durch diese Welt stapft, hat „In the Hand of Dante“ für einen Moment eine dreckige, komische, fast besoffene Energie. Da wird geredet, gedroht, geflucht und aufgedreht, als hätte sich jemand mit sichtbarer Freude in alten Gangsterposen gewälzt. Nicht subtil, sicher nicht. Aber lebendig. Nur hält dieser Zustand nicht lange. Irgendwann frisst sich der Schnack selbst auf. Was eben noch rotzig und überdreht wirkte, hängt plötzlich bleischwer im Raum, weil fast jeder Satz so klingt, als müsse er nebenbei noch Weltliteratur und Unterweltmythos miteinander verheiraten. Aus der Jagd nach dem Manuskript wird kein fiebriger Thriller, sondern ein immer breiter laufendes Durcheinander. Der Film stapelt Bedeutung, bis aus Bedeutung nur noch Behauptung wird. Er öffnet Räume, die er nicht betritt. Er wirft Figuren ins Bild, als würden berühmte Gesichter und finstere Blicke schon reichen, um Zusammenhang zu erzeugen.

^{In the Hand of Dante} ^©Netflix

Auch die historische Ebene leidet darunter. Dante, Beatrice, Gemma, Exil, Krankheit, Schuld, Visionen: Alles ist da, alles müsste Gewicht haben, alles müsste brennen. Doch Schnabel inszeniert diese Vergangenheit so ehrfürchtig und schwer, dass aus Schmerz irgendwann Dekor wird. Der Film scheint zu glauben, ein leidender Mann, ein paar geisterhafte Erscheinungen und der Schatten der „Göttlichen Komödie“ würden bereits genügen, um Tiefe herzustellen. Tun sie nicht. Die Liebe wirkt weniger unerreichbar als behauptet. Die Qual weniger spürbar als ausgestellt. Die Kunst weniger geboren als permanent angekündigt. So steht „In the Hand of Dante“ irgendwann zwischen seinen eigenen Filmen herum. Die Gegenwart will cool, dreckig und kultig sein, wirkt aber zunehmend angestrengt. Die Vergangenheit will groß, tragisch und spirituell sein, versinkt aber in ihrer eigenen Feierlichkeit. Dazwischen kippt eine Stimme aus dem Off noch mehr Bedeutung über ein ohnehin überladenes Gebilde. Am Ende ist dieser Film nicht sperrig, weil er seinem Publikum so viel zutraut. Er ist sperrig, weil er selbst keinen Weg durch seine Ideen findet. Er greift nach Hölle, Kunst und Erlösung – und landet in einem Labyrinth, das beeindruckend aussieht, aber nirgendwohin führt

^{In the Hand of Dante} ^©Netflix

Fazit

„In the Hand of Dante“ ist ein wuchtiger, eigensinniger und sichtbar ambitionierter Film, der kurz nach großem, wildem Kino riecht. Doch Schnabel verliert sich in Bedeutungsschwere, Symbolik und Pose. Was als Rausch beginnt, wird zur zähen Sitzprobe: voller Ideen, voller Namen – doch am Ende erschreckend leer.

Bewertung: 1.5 von 5.

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Historie, Thriller
Voicemails for Isabelle

Titel Voicemails for Isabelle
Genre Romanze, Komödie
Jahr 2026
FSK 12
Regie Leah McKendrick

Starttermin: 19.06.2026 | Netflix

Netflix erzählt von Trauer – und findet die Liebe

Trauer hat viele Gesichter. Nicht, weil sie sich ständig neu erfinden würde, sondern weil jeder Mensch seine eigene, oft ziemlich widersprüchliche Form dafür entwickelt. Manche reden darüber, andere vermeiden jedes Wort. Manche halten sich an Gegenständen fest, an Erinnerungen, Fotos oder Gewohnheiten. Und manchmal bleibt nur eine Stimme, gespeichert in einem Telefon, die längst nichts Neues mehr zu sagen hat und trotzdem noch immer zur wichtigsten Gesprächspartnerin wird. Im Netflix Original „Voicemails for Isabelle“ hat Jill (Zoey Deutch) ihre jüngere Schwester Isabelle an Mukoviszidose verloren. Was seitdem von ihr geblieben ist, sind alte Sprachnachrichten. Kleine Ausschnitte eines gemeinsamen Lebens, banal und intim, manchmal albern, manchmal doof, niemals für die Ewigkeit gedacht. Jill hört sie trotzdem immer wieder – so lange, bis es nicht mehr reicht. Sie beginnt, selbst auf Isabelles Nummer zu sprechen, erzählt von ihrem chaotischen Alltag in San Francisco, von der Arbeit, unbefriedigenden Männergeschichten, Fehltritten und all den Dingen, die man einer Schwester sagt, weil sie einen auch dann noch versteht, wenn man selbst längst nicht mehr weiß, was man eigentlich tut. Nur gehört die Nummer inzwischen jemand anderem.

^{Voicemails for Isabelle} ^©Netflix

Wes (Nick Robinson), ein zurückhaltender Immobilienmakler aus Austin, erhält plötzlich die Nachrichten einer fremden Frau, die glaubt, mit ihrer verstorbenen Schwester zu sprechen. Er hört zu. Erst verwundert, dann regelmäßig, irgendwann mit einer Nähe, die nur entstehen kann, wenn jemand alles von sich preisgibt – ungefiltert und echt. Wes verliebt sich in Jill, ohne dass sie weiß, dass er existiert. Und ja, genau hier beginnt „Voicemails for Isabelle“, eine RomCom zu sein. Nur braucht der Film beinahe eine Stunde, um an diesen Punkt zu gelangen. Das ist seine größte Stärke – und später auch sein einziges Problem. Zunächst nämlich gehört die Geschichte Jill und Isabelle. Ein warmer Auftakt führt zurück in ihre Kindheit, in Jahre, in denen Isabelles Krankheit zwar Teil ihres Lebens ist, aber noch lange kein Hindernis für ein einzigartiges Bündnis zwischen zwei Schwestern. Diese gemeinsame Vergangenheit ist so lebendig, dass man ihr gern länger gefolgt wäre. Wenn „Voicemails for Isabelle“ wenig später in die Gegenwart springt, verliert Regisseurin und Drehbuchautorin Leah McKendrick diese Wärme nicht. Isabelle stirbt, doch der Film macht daraus kein berechnendes Rührstück. Er vertraut auf den Moment, auf die Beziehung der beiden Schwestern und vor allem auf Zoey Deutch, die Jills Trauer weder mit großen Gesten ausstellt noch in eine gefällige Form bringt. Ihr Schmerz wirkt unvorbereitet, widersprüchlich und damit so ehrlich, wie Trauer eben sein kann. Aus der Geschichte zweier Schwestern wird ein Drama über das Leben danach, über den Versuch, einen Menschen loszulassen, ohne die Verbindung zu ihm aufgeben zu müssen.

Humor und Herz: Warum „Voicemails for Isabelle“ aus der Masse heraussticht

Deutch trägt diesen Wechsel mit einer Natürlichkeit, die längst zu ihren größten Stärken gehört. Schon in „Not Okay“ auf Disney+ konnte sie eine Figur mit viel Leben füllen, die auf dem Papier leicht zur überzeichneten Karikatur hätte werden können. Auch Jill sagt meistens zuerst, was ihr durch den Kopf geht, und denkt anschließend darüber nach, ob das besonders klug war. Sie ist unsicher, impulsiv – und doch nie auf jene liebenswerte Tollpatschigkeit reduziert, mit der RomComs ihre Hauptfiguren gern möglichst harmlos halten. Und wenn man schon jemandem dabei zusehen möchte, wie aus Trauer, Orientierungslosigkeit und einer Reihe schlechter Männergeschichten doch noch eine klassische Verliebtheit entsteht, dann Zoey Deutch. Sie besitzt genau jene natürliche Leichtigkeit, die selbst bekannte Genrewege für eine Weile wieder unverbraucht wirken lässt. Denn sobald Wes tatsächlich in Jills Leben tritt, wird „Voicemails for Isabelle“ zunehmend konventionell. Das Geheimnis ist gesetzt, der spätere Bruch unvermeidbar und auch die obligatorische Versöhnung dürfte für niemanden überraschend kommen, der schon einmal eine romantische Komödie gesehen hat. Trotzdem funktioniert die Annäherung. Nick Robinson bleibt neben Deutch zwar deutlich blasser, bringt aber genug zurückhaltenden Charme mit, damit Wes nicht nur wie ein Mann wirkt, der wochenlang die intimsten Nachrichten einer fremden Frau abhört und anschließend unangekündigt in ihrem Leben auftaucht. Zwischen beiden ist eine glaubhafte Verbindung zu spüren. Das zählt, selbst wenn der Film gegen Ende einige Konflikte allzu bereitwillig glättet und aus zwei Menschen mit echten Ängsten und Fehlern doch noch ein etwas zu ordentliches RomCom-Paar formt.

^{Voicemails for Isabelle} ^©Netflix

Seinen Humor findet der Film ohnehin weniger in der Romanze als in Jill selbst. In ihrer direkten Art, ihrer Unfähigkeit, peinliche Gedanken für sich zu behalten, und ihrem Talent, selbst gewöhnliche Situationen zuverlässig aus dem Gleichgewicht zu bringen. Dazu kommen Nebenfiguren, die McKendrick gerade so weit überzeichnet, dass sie komisch bleiben, ohne den Film vollständig in eine Karikatur zu verwandeln. Allen voran Nick Offerman als Jills cholerischer Küchenchef Bastien, der nach Ron Swanson in „Parks and Recreation“ zwar erneut sehr vertrautes Terrain betritt, dort aber noch immer zuverlässig Pointen findet. Der Humor steht der Trauer dabei nicht im Weg. Er gehört zu Jill, zu ihrem Leben und damit auch zu einer Geschichte, die verstanden hat, dass ein Verlust nicht jeden glücklichen oder absurden Moment für immer auslöscht. Die Romanze hätte es dafür eigentlich nicht gebraucht. Jill, Isabelle und die Sprachnachrichten tragen genug in sich, um „Voicemails for Isabelle“ auch ohne die üblichen Stationen einer Liebesgeschichte zusammenzuhalten. Ausgerechnet in dem Moment, in dem der Film zur RomCom wird, verliert er einen Teil seiner erzählerischen Eigenständigkeit. Kaputt macht das die vorherige Arbeit allerdings nicht. Dafür ist Deutch zu gut, die Beziehung der Schwestern zu glaubhaft und McKendricks Blick auf Trauer zu feinfühlig. Am Ende bleibt somit eine warmherzige, sehr lustige und tatsächlich rührende Tragikomödie, die deutlich mehr ist als das nächste uninspirierte Netflix Original. Nicht wegen ihrer Liebesgeschichte, sondern obwohl sie irgendwann glaubt, eine zu brauchen. Genau solche Filme dürfte Netflix ruhig häufiger machen.

^{Voicemails for Isabelle} ^©Netflix

Fazit

„Voicemails for Isabelle“ besitzt genau jenen Charme, der sich nicht aufdrängt, sondern langsam einschleicht. Eine warmherzige Tragikomödie voller Verständnis für die Widersprüche der Trauer, getragen von Zoey Deutch und einem Herzen, das selbst die konventionelle Romanze nicht kleinbekommt.

Bewertung: 3.5 von 5.

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Culpa Tuya – Deine Schuld: London | Amazon Film – Kritik: Neu auf Prime Video

Every Year After | Amazon Serie – Kritik: Prime Video sucht die erste Liebe

Komödie, Romanze
Culpa Tuya – Deine Schuld: London

Titel Culpa Tuya – Deine Schuld: London
Genre Romanze
Jahr 2026
FSK 12
Regie Charlotte Fassler, Dani Girdwood

Starttermin: 17.06.2026 | Prime Video

Bleibt Prime Video der Red Flag auch in „Culpa Tuya – Deine Schuld: London“ treu?

Manchmal liegt die Messlatte so tief, dass bereits ein Film, der nicht mit voller Wucht dagegen prallt, wie ein kleines Wunder wirkt. Wer sich schon einmal durch Amazons unerträgliche Vertreter des New-Adult-Genres „Culpa Tuya – Deine Schuld“ und „Culpa Nuestra – Unsere Schuld“ gearbeitet hat, dürfte wissen, wie sich diese Form cineastischer Anspruchslosigkeit anfühlt. Zweimal 0,5 Sterne, zweimal die Erkenntnis, dass romantische Leidenschaft offenbar auch als mehrstündiger Belastungstest für das menschliche Nervensystem verstanden werden kann. Umso befremdlicher wirkte es, als ausgerechnet die britische Neuauflage, die das toxische Beziehungsdrama von Madrid nach London verpflanzte, plötzlich beinahe freundliche Worte provozierte. Zwei Sterne bekam „Culpa Mia – Meine Schuld: London“ am Ende – kein Triumph, nicht einmal ein Achtungserfolg, innerhalb dieser Reihe aber fast schon ein diplomatisches Zugeständnis. Dabei blieb auch das Remake weit davon entfernt, einen umgangssprachlichen Blumentopf zu gewinnen. Mehr kurzweilige Action, etwas weniger Toxizität und eine insgesamt ansehnlichere Umsetzung machten aus der alten Geschichte lediglich die erträglichere Version desselben Elends. Gut war daran wenig, weniger schmerzhaft hingegen überraschend viel. Und so fällt die Aussicht, dass in „Culpa Tuya – Deine Schuld: London“ erneut die schüchterne Maus dem coolen Bad Boy verfällt, zumindest nicht ganz so bedrohlich aus wie bei „Mala influencia – Verbotene Liebe“ oder „Love Me, Love Me“.

^{Culpa Tuya – Deine Schuld: London} ^{©Prime Video}

Hoffnungslose Optimisten könnten nun vermuten, die Fortsetzung setze den zaghaften Aufwärtstrend ihres Vorgängers tatsächlich fort. Realistischer wäre allerdings die Annahme, dass sie wieder genau in jene alten Muster zurückfällt, aus denen dieses Genre seit Jahren seine fragile Persönlichkeit zusammenbaut. Der Weg dorthin ist jedenfalls bereits bestens ausgeschildert. Noah (Asha Banks) beginnt ihr Studium an der Universität Oxford und lässt damit nicht nur London, sondern vorerst auch Nick (Matthew Broome) hinter sich. Der arbeitet inzwischen im Unternehmen seines Vaters und versucht, zwischen beruflichen Erwartungen und familiärem Druck so etwas wie ein erwachsenes Leben zu führen. Für eine Beziehung, die schon unter günstigeren Bedingungen kaum ohne emotionalen Flächenbrand auskommt, wird die räumliche Trennung erwartungsgemäß zum nächsten Brandbeschleuniger. Neue Bekanntschaften, alte Feindseligkeiten und Menschen, die das liebestolle Stiefgeschwisterpaar lieber heute als morgen auseinanderbringen würden, liefern Eifersucht, Misstrauen und melodramatische Verwicklungen gleich im Komplettpaket. Noah und Nick müssen also beweisen, dass ihre große Liebe mehr aushält als ein paar Kilometer Entfernung und die nächste strategisch platzierte Red Flag. Mit anderen Worten: dieselbe Geschichte, die „Culpa Tuya – Deine Schuld“ bereits mit bemerkenswerter Gründlichkeit an die Wand gefahren hat. Soweit, so schlecht.

Madrid, London – Hauptsache, das Drama reist mit

Aus Mist können Rosen wachsen, heißt es. Im Kino bleibt Mist allerdings meistens einfach Mist – nur gelegentlich hübscher ausgeleuchtet. Genau darin lag bereits die bescheidene Leistung von „Culpa Mia – Meine Schuld: London“: Es verwandelte den alten Unrat nicht in etwas Gutes, sondern sorgte lediglich dafür, dass er weniger streng roch. Von „Culpa Tuya – Deine Schuld: London“ nun plötzlich eine romantische Erleuchtung zu erwarten, wäre deshalb selbst für hoffnungslose Optimisten ein gewagter Schritt. Zu schwer wiegt der Ballast eines Genres, das seine Schwächen längst für unverzichtbare Zutaten hält. Dialoge klingen wie ausrangierte Kalendersprüche, Gefühle werden so lange aufgedreht, bis jedes Zwischengeräusch verstummt, und der Sex knistert ungefähr so leidenschaftlich wie feuchtes Brennholz. Rosen sehen jedenfalls anders aus. Immerhin verzichtet die britische Variante auf einen Teil jener besonders unangenehmen Machtspiele, mit denen ihre Vorgänger toxisches Verhalten als große Leidenschaft verkauften. Noah ist hier nicht bloß das naive Opfer eines übergriffigen Bad Boys, Nick nicht ausschließlich der dominante Mann, dessen Kontrollzwang mit einem hübschen Blick entschuldigt werden soll. Toxisch sind sie höchstens gemeinsam – nicht aufgrund eines eindeutigen Machtgefälles, sondern weil beide unfähig sind, vernünftig miteinander zu sprechen. Das ist zunächst sogar glaubwürdiger. Wer verliebt ist, will Nähe. Wer eine Beziehung führt, hat Sex, vermisst den anderen, begehrt ihn und reagiert nicht immer vollkommen souverän, wenn plötzlich eine andere Person auftaucht. Ein gesundes Maß an Eifersucht ist kein Beweis emotionaler Verdorbenheit, ebenso wenig wie Lust und Hingabe automatisch Ausdruck einer alles verschlingenden Schicksalsliebe sind. All das gehört zu Beziehungen. Entscheidend ist nicht, dass diese Gefühle existieren, sondern wie zwei Menschen mit ihnen umgehen. Genau dort versagen Noah und Nick – und mit ihnen auch der gesamte Film.

^{Culpa Tuya – Deine Schuld: London} ^{©Prime Video}

„Culpa Tuya – Deine Schuld: London“ behandelt jede Form von Eifersucht und jeden Anflug von Unsicherheit, als würde sich darin eine Liebe offenbaren, die größer ist als das Leben selbst. Musik schwillt an, Blicke werden verlängert, Körper in dekoratives Licht getaucht. Die Inszenierung ruft ununterbrochen: Seht her, wie außergewöhnlich diese Leidenschaft ist. Das Drehbuch und der Cast liefern dafür allerdings kaum einen Grund. Denn eigentlich ist an dieser Beziehung nichts außergewöhnlich. Zwei junge Menschen fühlen sich zueinander hingezogen, schlafen bei jeder Gelegenheit miteinander, vermissen sich und werden eifersüchtig, wenn der andere sich wie ein Arsch verhält. Das ist keine romantische Offenbarung, sondern ein ziemlich gewöhnlicher Zustand. Erst der Umgang damit könnte daraus eine interessante Geschichte machen. Doch statt ehrlich zu reden, verschweigen beide ihre Gefühle, treffen zweifelhafte Entscheidungen und erwarten anschließend, dass der andere die unausgesprochenen Regeln ihrer Beziehung trotzdem versteht. Keine Schicksalsliebe, nur schlechte Kommunikation. „Culpa Tuya – Deine Schuld: London“ möchte erzählen, dass äußere Umstände eine große Liebe auf die Probe stellen. Das Geheimhalten der Beziehung, misstrauische Eltern, neue Bekanntschaften und alte Feinde sollen Noah und Nick wie tragische Figuren erscheinen lassen, die von einer feindseligen Welt auseinandergetrieben werden. Tatsächlich braucht es diese Hindernisse kaum. Die beiden erledigen das schon selbst.

^{Culpa Tuya – Deine Schuld: London} ^{©Prime Video}

Amazon legt wieder den Rückwärtsgang ein

Wer Gefühle für eine andere Person entwickelt und sich bereitwillig auf sie einlässt, sollte vielleicht keine Beziehung führen. Wer jede Unsicherheit in Schweigen, Vorwürfe oder demonstrative Rücksichtslosigkeit verwandelt, ebenfalls nicht. Und wer erwartet, dass der Partner Gedanken lesen kann, sollte nicht überrascht sein, wenn die gemeinsame Zukunft irgendwann an Dingen zerbricht, die ein einziges ehrliches Gespräch hätte klären können. Das Problem ist nicht, dass Noah und Nick zu leidenschaftlich lieben. Es ist auch nicht ihre Eifersucht. Nicht die räumliche Trennung, nicht das Verheimlichen ihrer Beziehung und nicht die Menschen, die von außen auf sie einwirken. Das Problem ist, dass beide unreif sind, nicht kommunizieren und sich wiederholt beschissen behandeln. Darin liegt nichts Süßes, nichts Tragisches und schon gar nichts Romantisches. Als Charakterdrama könnte diese Erkenntnis durchaus funktionieren. Ein Film über zwei Menschen, die sich aufrichtig lieben und trotzdem erkennen müssen, dass Liebe allein keine funktionierende Beziehung ergibt, hätte sogar etwas Schmerzhaftes. Er könnte davon erzählen, wie Nähe in Besitzdenken kippt, wie Leidenschaft Konflikte überdeckt und wie zwei Menschen einander verlieren, weil beide erst bei sich selbst aufräumen müssten. Doch dafür müsste „Culpa Tuya – Deine Schuld: London“ seine Figuren ernst nehmen. Er müsste ihnen Widersprüche, Einsicht und Entwicklung zugestehen. Stattdessen braucht es eine psychotische Ex, illegale Straßenrennen und künstlich platzierte Versuchungen, weil Noah und Nick selbst erschreckend wenig hergeben. Wo keine Figuren sind, muss eben das Drehbuch Lärm machen. So bleibt keine große Liebesgeschichte, die an widrigen Umständen zerbricht. Nur die Bestandsaufnahme zweier Menschen, die nicht zusammen sein sollten, solange sie nicht gelernt haben, miteinander zu reden. Der Film hält das für Schicksal. Tatsächlich ist es bloß eine schlecht funktionierende Beziehung mit zu lauter Musik.

^{Culpa Tuya – Deine Schuld: London} ^{©Prime Video}

Fazit

Nach dem kurzen Aufwärtstrend fährt „Culpa Tuya – Deine Schuld: London“ wieder rückwärts. Weniger toxisch als Madrid, aber ebenso substanzlos, bleibt nur eine laut inszenierte Beziehung ohne Tiefe, Reife oder echte romantische Wirkung.

Bewertung: 1 von 5.

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Romanze

Over Your Dead Body

Titel Over Your Dead Body
Genre Horror, Komödie
Jahr 2026
FSK 18
Regie Tommy Wirkola

Starttermin: 10.06.2026 | Prime Video

Samara Weaving entfesselt ein FSK-18-Gemetzel bei Prime Video

Wo Menschen durch dunkle Wälder stolpern, in blutverschmierten Hochzeitskleidern um ihr Leben rennen oder mit weit aufgerissenen Augen feststellen, dass hinter der nächsten Tür schon wieder jemand mit einem Messer wartet, kann Samara Weaving nicht weit sein. Auch Amazons „Over Your Dead Body“ bestätigt diese inzwischen beinahe naturgesetzliche Verbindung zwischen der australischen Schauspielerin und dem unmittelbar bevorstehenden Ableben. Mal ist es eine exzentrische Schwiegerfamilie, die sie während eines rituellen Versteckspiels zur Strecke bringen will („Ready or Not“). Mal eine fanatische Sekte, die zwischen kahlen Bäumen und religiösem Wahn eine unheimliche Kreatur anbetet („Azrael“). Und manchmal genügt bereits ein ganz gewöhnlicher Arbeitstag, bis ein Virus auch noch den letzten Rest menschlicher Hemmung aus dem Büroalltag spült („Mayhem“). Ganz gleich, ob die Gefahr zunächst nur leise an die Tür klopft oder bereits mit erhobenem Messer im Wohnzimmer steht: Sobald irgendwo getötet werden kann, gerät Samara Weavings körperliche Unversehrtheit zuverlässig zur Verhandlungsmasse. Kaum eine Darstellerin ihrer Generation musste häufiger schreien, rennen, kämpfen, kriechen, bluten und sich in irgendwelche dunklen Winkel pressen, während der Tod wenige Schritte entfernt ungeduldig mit den Fingern trommelt.

^{Over Your Dead Body} ^{©Independent Film Company}

Spätestens als sogar Ghostface sie in „Scream VI“ durch eine finstere Gasse jagte, war die Krone vergeben: Samara Weaving ist die Scream-Queen ihrer Generation – nicht nur, weil sie so überzeugend um ihr Leben kämpft, sondern weil bei ihr selbst Panik noch aussieht, als hätte sie eine Choreografie. Und wenn sie ausnahmsweise einmal nicht vor dem Tod davonläuft, bringt sie ihn eben selbst mit. Dann macht sie in „The Babysitter“ Jagd auf arglose Teenager oder hetzt Daniel Radcliffe, unfreiwillig beidhändig bewaffnet, durch den grell überdrehten Wahnsinn von „Guns Akimbo“. Weaving kennt beide Seiten des mörderischen Spiels: den kalten Atem im Nacken und das Messer in der eigenen Hand. Für „Over Your Dead Body“ auf Prime Video kommt ihr diese doppelte Erfahrung nun gerade recht. Dort ist sie Jägerin und Gejagte zugleich, wenn sie gemeinsam mit „HIMYM“-Jason Segel ein hoffnungslos unglückliches Ehepaar verkörpert, das zu einer ebenso bitteren wie blutigen Erkenntnis gelangt: Eine Scheidung mag teuer sein – ein gegenseitiger Mord ist allerdings auch nicht gerade die unkomplizierteste Form der Trennung. Wem dieser Ehekrieg mit Ferienhaus, Mordabsichten und eskalierender Gewalt verdächtig bekannt vorkommt, dürfte sofort an Tommy Wirkolas „The Trip – Ein mörderisches Wochenende“ denken – und liegt mit diesem Verdacht auch vollkommen richtig.

Mit „Over Your Dead Body“ liefert Amazon den blutigsten Rosenkrieg des Jahres

„Over Your Dead Body“ nämlich präsentiert sich als nicht minder zeigefreudiges US-Remake der norwegischen Ehestreitgroteske von 2021, in der schon Noomi Rapace und Aksel Hennie ihre zerrüttete Beziehung lieber mit stumpfen Gegenständen als mit offenen Gesprächen zu retten versuchten. Tommy Wirkola sollte den Rosenkrieg ursprünglich selbst noch einmal für Hollywood aufwärmen, zog sich während der langen Entwicklungsphase jedoch vom blutverschmierten Ehebett zurück. Den Platz auf dem Regiestuhl übernahm Jorma Taccone, Mitglied des Comedy-Trios „The Lonely Island“ und verantwortlich für den hemmungslos albernen Irrsinn von „MacGruber“ und „Popstar: Never Stop Never Stopping“. Eine durchaus passende Wahl für einen Film, der schlechte Kommunikation nicht mit Paartherapie beantwortet, sondern mit Mordwerkzeugen, Kollateralschäden und der Hoffnung, dass nach dem großen Knall wenigstens einer von beiden den gemeinsamen Hausstand behalten darf. Dass Taccone hierbei nicht bloß als Verwalter eines fremden Blutbads antritt, zeigt sich bereits daran, wie selbstverständlich „Over Your Dead Body“ die Ausgangslage in seinen eigenen komödiantischen Rhythmus überführt. Die Geschichte bleibt dabei unverkennbar dieselbe. Wer „The Trip“ kennt, wird viele Stationen wiedererkennen – stellenweise gar eins zu eins. Doch Taccone behandelt diese Nähe nicht wie eine Verpflichtung, sondern wie eine bereits aufgebaute Bühne, auf der er den Zynismus höher stapeln, die Figuren deutlicher zuspitzen und die Gewalt noch etwas weiter über die Geschmacksgrenze hinausschieben kann. Gerade der Humor profitiert davon. Wo Tommy Wirkola seine Ehehölle mit jener trockenen norwegischen Bosheit inszenierte, mischt Taccone der rabenschwarzen Verbindung aus gegenseitiger Verachtung und Mordlust jene hemmungslose Comedy bei, die schon die Arbeiten von „The Lonely Island“ prägte. Der Witz liegt hier nicht darin, dass Menschen einander töten wollen, sondern darin, wie erschreckend kleinlich ihre Gründe dafür erscheinen.

^{Over Your Dead Body} ^{©Independent Film Company}

Jason Segel und Samara Weaving sind dafür ein überzeugenderes Gespann. Wo Noomi Rapace und Aksel Hennie im Original ihre eheliche Feindschaft betont schroff und verbissen spielten, geben Segel und Weaving ihr mehr Beweglichkeit, ohne dass das Amazon Original sie deshalb zu heimlichen Sympathieträgern verklären müsste. Auch in Sachen Gewalt legt Taccone sichtbar nach. „Over Your Dead Body“ versteht seine blutige Eskalation nicht als notwendiges Übel, sondern als kreativen Wettbewerb. Das Blut spritzt noch etwas großzügiger als bei Wirkola, den Treffern wohnt mehr kreativer Einfallsreichtum inne und das Gemetzel folgt einer klaren, makabren Choreografie. Dass die Handlung dabei kaum versucht, ihre Herkunft zu verschleiern, lässt sich allerdings nicht bestreiten. „Over Your Dead Body“ folgt dem norwegischen Vorbild über weite Strecken so eng, dass kaum Raum für echte Neuerfindungen bleibt. Doch gerade im direkten Vergleich zeigt sich, dass Originalität nicht ausschließlich darin besteht, eine völlig neue Geschichte zu erzählen. Manchmal reicht es, eine bekannte Konstruktion mit dem besseren Timing, einem stärkeren Ensemble und einem klareren Gefühl dafür zu versehen, wann ein makabrer Einfall noch eine Stufe weitergetrieben werden muss. Somit erfindet Jorma Taccone den blutigen Ehestreit nicht neu. Er sorgt lediglich dafür, dass er diesmal ein Stückchen härter trifft, häufiger zündet und unterm Strich noch etwas besser funktioniert als die ohnehin schon solide Vorlage.

^{Over Your Dead Body} ^{©Independent Film Company}

Fazit

„Over Your Dead Body“ übernimmt den mörderischen Ehekrieg von „The Trip“ fast unverändert, findet unter Jorma Taccone aber den besseren Rhythmus. Mehr schwarzer Humor, einfallsreichere Gewalt und das überzeugendere Zusammenspiel von Samara Weaving und Jason Segel machen aus der bekannten Geschichte das stärkere Gesamtpaket.

Bewertung: 3.5 von 5.

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Horror, Komödie
Farben des Bösen: Schwarz

Titel Farben des Bösen: Schwarz
Genre Thriller, Krimi
Jahr 2026
FSK 16
Regie Adrian Panek

Starttermin: 10.06.2026 | Netflix

Trotz grauer Routine: Netflix-Flop bekommt düsteres Sequel

Rot ist die Farbe der Liebe – für Thriller-Fans bedeutete sie vor zwei Jahren allerdings vor allem eines: gepflegte Langeweile. Der polnische Ermittlungsthriller „Farben des Bösen: Rot“ entpuppte sich trotz makabrem Mordszenario als graues Mäuschen von der Stange, das sein farbliches Titelmotiv irgendwo zwischen Aktenordnern, finsteren Blicken und Netflix-Routine verscharrte. Nun folgt also „Farben des Bösen: Schwarz“. Schon der Titel klingt, als hätte jemand beschlossen, das Versagen des Vorgängers einfach mit einer dunkleren Farbe zu überstreichen – und das Ergebnis liefert den filmischen Beweis. Inhaltlich führt es den Staatsanwalt Leopold Bilski (Jakub Gierszał) in die Kaschubei, wo ein kleiner Junge spurlos verschwindet und ein älterer Vermisstenfall plötzlich wieder Schatten wirft. Dazu kommen verschlossene Bewohner, alte Schuld, ländlicher Aberglaube und natürlich die übliche Ahnung, dass in dieser Gegend vermutlich niemand ganz unschuldig ist. Das klingt auf dem Papier nach jener Sorte Thriller, die ihre Spannung aus Schweigen, Verdrängung und kollektiver Fäulnis zieht. Auf dem Bildschirm sieht es leider eher aus wie die Serienversion eines sehr ernsten Moodboards.

^{Farben des Bösen: Schwarz} ^©Netflix

Die Kaschubei wird in „Farben des Bösen: Schwarz“ nicht zum atmenden Schauplatz, sondern zur schwarz lackierten Kulisse. Ein paar mürrische Gesichter, ein paar karge Straßen, ein bisschen Aberglaube im Hintergrund – fertig ist die Netflix-Provinz aus dem Baukasten für nordosteuropäische Ermittlungsdepression. Alles soll nach Finsternis riechen, riecht aber eher nach Produktionsdesign. Der Film stellt seine Düsternis aus wie ein Möbelstück: ordentlich platziert, korrekt ausgeleuchtet, dekorativ ungemütlich. Nur bedrohlich wird sie selten. Als würde man das Ikea-Sortiment online im augen- und akkuschonenden Dark Mode des Browsers durchscrollen. Dabei wäre genug Material da. Ein verschwundenes Kind. Eine Gemeinschaft, die sich in Ausreden eingerichtet hat. Ein Ort, an dem Vergangenheit nicht vergangen ist, sondern nur schlecht vergraben. „Farben des Bösen: Schwarz“ streift immer wieder die Idee, dass das eigentliche Grauen nicht im einzelnen Verbrechen liegt, sondern in der Bequemlichkeit derer, die weggesehen haben. Genau dort hätte der Film unangenehm werden können. Hätte.

Rot, Schwarz – und am Ende vor allem grau

Stattdessen verkriecht sich die Handlung in routiniert abgewickelter Ermittlungsmechanik. Hinweise werden gefunden, erklärt, erneut erklärt und anschließend mit einem weiteren Hinweis verklebt. Figuren betreten Szenen, um Informationen abzuladen, und verschwinden wieder im Dunkel der Zweckmäßigkeit. Kaum entsteht einmal so etwas wie Spannung, wird sie von Dialogen zerredet, die klingen, als hätte jemand die Fallakte in Drehbuchform gegossen. Das Ergebnis ist kein Sog, sondern Verwaltung. Noch ärgerlicher ist, dass „Farben des Bösen: Schwarz“ sich permanent wichtiger nimmt, als er ist. Jede Szene wird auf Bedeutung getrimmt, jede Pause mit Schwere vollgepumpt, jede Enthüllung bekommt den dramatischen Trommelwirbel eines Films, der überzeugt ist, gerade in sehr tiefe Abgründe zu blicken. Doch je länger diese Finsternis beschworen wird, desto sichtbarer werden ihre Ränder. Dahinter wartet kein Abgrund, sondern ein weiterer sauber sortierter Netflix-Thriller, der lieber düster aussieht, als wirklich weh zu tun.

^{Farben des Bösen: Schwarz} ^©Netflix

Im Vergleich zu „Rot“ ist „Schwarz“ vielleicht der etwas stimmungsvollere Film. Das ist allerdings ungefähr so, als würde man einen lauwarmen Kaffee dafür loben, dass er nicht ganz kalt ist. Die Reihe macht minimale Fortschritte, bleibt aber in denselben Problemen stecken: blasse Figuren, hölzerne Dialoge, eine überfrachtete Handlung und eine Hochglanzästhetik, die jeden Schmutz sofort wieder wegpoliert. Schwarz steht für das Unbekannte, das Verborgene, die Angst vor dem, was sich im Dunkeln regt. Hier steht es vor allem für einen Thriller, der verzweifelt geheimnisvoll wirken möchte und dabei vergisst, interessant zu sein. „Farben des Bösen: Schwarz“ malt alles dunkler an, aber unter der frischen Schicht bleibt derselbe matte Untergrund. Das zeigt sich bis zum Finale, dem jede Gravitas fehlt. Wo andere Genrefilme im Showdown die Muskeln spielen lassen und frühere Schwächen mit einem Schlag vergessen machen, reicht es hier nur für ein müdes Achselzucken. Die Auflösung macht das Vorangegangene nicht besser – sie erklärt die erzählerische Armut lediglich zu Ende.

^{Farben des Bösen: Schwarz} ^©Netflix

Fazit

„Farben des Bösen: Schwarz“ ist ein etwas stimmungsvollerer, aber kaum besserer Nachfolger zu „Farben des Bösen: Rot“. Der Netflix-Thriller besitzt genug Motive für ein beklemmendes Provinzdrama über Schuld, Verdrängung und kollektives Wegsehen, macht daraus aber erneut nur routinierte Ermittlungsware mit düsterer Oberfläche. Viel Schwere, wenig Sog. Viel Finsternis, wenig Abgrund. Am Ende bleibt ein Film, der Schwarz verspricht, aber vor allem grau liefert.

Bewertung: 1.5 von 5.

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Krimi, Thriller
México 86

Titel México 86
Genre Sport, Biopic
Jahr 2026
FSK 12
Regie Gabriel Ripstein

Starttermin: 05.06.2026 | Netflix

Netflix enttarnt das Sommermärchen als Millionengeschäft

Die WM steht vor der Tür. Vier Wochen Ausnahmezustand. Der Geruch von Grillkohle zieht durch Kleingärten, Bierkästen werden in Garagen gestapelt und plötzlich interessieren sich Menschen wieder für Länder, die sie sonst nicht einmal auf einer Karte finden würden. Fahnen hängen aus Schlafzimmerfenstern, Laien werden zu Bundestrainern und irgendwo sitzt immer ein Kind vor dem Fernseher, das gerade seine erste Weltmeisterschaft erlebt und noch glaubt, dass Fußball ausschließlich aus Emotionen besteht. Für viele Menschen ist die WM mehr als nur ein Turnier. Sie ist Erinnerung. An Sommerferien. An lange Abende mit den Eltern auf der Couch. An Elfmeterschießen, bei denen man nicht wusste, ob man jubeln oder weinen soll. An diese seltenen Momente, in denen Millionen Menschen gleichzeitig dieselbe Hoffnung teilen. Und dann wird man älter. Irgendwann liest man zum ersten Mal das Wort FIFA in einer Schlagzeile, die nichts mit Fußball zu tun hat. Irgendwann begreift man, dass hinter den Trikots, den Hymnen und den Traumtoren ein milliardenschweres Geschäft steht. Ein Geschäft voller Machtspiele, politischer Interessen, Lobbyismus und Männer in teuren Anzügen, die von der Liebe zum Fußball sprechen, während sie im Hintergrund Verträge aushandeln. Willkommen in der Welt von Netflix’ „México 86“.

^{México 86} ^©Netflix

Das Netflix Original interessiert sich nicht für den Sport auf dem Platz. Es interessiert sich für die Menschen hinter den Kulissen. Für jene, die darüber entscheiden, wo Weltmeisterschaften stattfinden, wer davon profitiert und welche Versprechen, Drohungen oder Gefälligkeiten notwendig sind, damit am Ende die richtige Nation den Zuschlag erhält. Im Mittelpunkt steht Martín de la Torre, gespielt von Diego Luna. Ein ehrgeiziger Funktionär, der unbedingt erreichen will, dass die Weltmeisterschaft 1986 nach Mexiko kommt. Ein Mann, dessen moralischer Kompass ungefähr so zuverlässig arbeitet wie ein Wetterbericht für das nächste Jahrzehnt. Beruflich manipuliert er, wo er kann. Privat betrügt er seine Frau, pflegt eine Affäre und verfolgt letztlich immer nur ein Ziel: seinen eigenen Aufstieg. Sympathisch ist das nicht. Unterhaltsam schon. Das Kino liebt solche Figuren seit Jahrzehnten. Jordan Belfort machte in „The Wolf of Wall Street“ Betrug zu einer Party. Dick Cheney wurde in „Vice“ zum Symbol politischer Machtgier. „The Big Short“ verwandelte die Finanzkrise in ein zynisches Unterhaltungsstück über Menschen, die aus dem Zusammenbruch eines Systems Profit schlagen. „México 86“ bewegt sich klar in dieser Tradition.

Die wahre Geschichte hinter der WM 1986

Der Film präsentiert seinen Protagonisten nicht als Helden, sondern als jemanden, dessen größte Stärke darin besteht, keine Skrupel zu besitzen. Die eigentliche Überraschung besteht dabei weniger in seinen Methoden als in der Erkenntnis, dass nahezu alle anderen Figuren genauso funktionieren. Jeder verfolgt eigene Interessen. Jeder versucht, den anderen auszutricksen. Jeder spricht von Idealen, meint aber Geld, Einfluss oder Macht. Doch anders als in „The Wolf of Wall Street“ leiden hier nicht die Menschen am unteren Ende der Nahrungskette. Niemand verliert seine Altersvorsorge. Niemand verliert sein Haus. Stattdessen beobachtet man Präsidenten, Verbandsbosse, Lobbyisten und Funktionäre dabei, wie sie sich gegenseitig übers Ohr hauen wollen. Menschen, die ohnehin alle am selben Tisch sitzen und sich lediglich darüber streiten, wer das größere Stück vom Kuchen bekommt. Das macht die Vorgänge nicht moralischer – erstaunlich unterhaltsam. Vielleicht auch deshalb, weil die Realität längst jede Satire überholt hat. Wer heute an die FIFA denkt, denkt selten zuerst an Fußball. Man denkt an Korruptionsskandale, dubiose Vergaben und an eine Weltmeisterschaft in Katar, die von Diskussionen über Menschenrechte, Arbeitsbedingungen von Gastarbeitern und politische Einflussnahme begleitet wurde. Man denkt an Gianni Infantino, dessen öffentliche Auftritte eher an einen Konzernchef erinnern als an den Präsidenten eines Sportverbands. Vor diesem Hintergrund wirkt „México 86“ beinahe nostalgisch. Nicht weil die Menschen damals besser gewesen wären. Sondern weil ihre Skandale kleiner wirken. Weil ihre Intrigen persönlicher erscheinen. Weil die Korruption noch nicht den globalisierten Größenwahn erreicht hatte, den man heute beinahe als Normalzustand akzeptiert.

^{México 86} ^©Netflix

„México 86“ macht aus dieser Welt keine investigative Enthüllung. Er besitzt nicht die Schärfe eines Dokumentarfilms und auch nicht die politische Wucht eines großen Gesellschaftsdramas. Stattdessen setzt er auf Tempo, Ironie und den Spaß daran, Menschen bei ihren Machtspielen zuzusehen. Das gelingt über weite Strecken überraschend gut. Die Inszenierung erinnert unverkennbar an Werke wie „Vice“ oder „The Big Short“. Die Kamera bleibt ständig in Bewegung, die Dialoge sind schnell, die Figuren reden viel und oft gleichzeitig, während sich politische Entscheidungen wie ein Börsenspiel entwickeln. Der Film vermittelt permanent das Gefühl, dass hinter jeder Tür ein neuer Deal abgeschlossen wird. Dabei entsteht ein angenehmer Sog. Man möchte wissen, welcher Plan als Nächstes geschmiedet wird. Welche Allianz zerbricht. Wer wen verrät. „México 86“ versteht, dass Machtgeschichten selten durch ihre Ergebnisse spannend werden, sondern durch die Menschen, die glauben, alles kontrollieren zu können. Diego Luna trägt den Film dabei souverän. Seine Darstellung besitzt genug Charisma, um die Figur interessant zu halten, ohne ihre Unsympathien zu verharmlosen. Dennoch bleibt er letztlich der größte Unterschied zu den Filmen, an denen sich „México 86“ offensichtlich orientiert.

^{México 86} ^©Netflix

Nicht der neue „The Wolf of Wall Street“, aber solide

Denn was Leonardo DiCaprio für „The Wolf of Wall Street“ war oder Christian Bale für „Vice“, besitzt dieser Film nicht. Es fehlt die ikonische Performance. Es fehlt jener eine Darsteller, der jede Szene an sich reißt und aus einem guten Film einen unvergesslichen macht. „Mexico 86“ macht im Grunde beinahe alles richtig. Er ist flott erzählt, gut gespielt und thematisch interessant. Er besitzt Humor, Tempo und ausreichend Biss, um über seine gesamte Laufzeit zu unterhalten. Gleichzeitig fühlt sich fast jede seiner Ideen vertraut an. Man erkennt die Vorbilder in nahezu jeder Szene. Der Film folgt einer bewährten Formel und verlässt sie kaum jemals. Das Ergebnis ist ein Werk, das funktioniert, ohne jemals wirklich zu überraschen. Man hat Spaß daran. Man verfolgt die Geschichte interessiert. Man schmunzelt über die Absurditäten eines Systems, das längst niemand mehr ernsthaft für sauber hält. Doch sobald der Abspann läuft, bleibt erstaunlich wenig zurück. Trotzdem ist „México 86“ ein unterhaltsamer Blick hinter die Kulissen eines Geschäfts, das sich gerne als Sport verkauft. Kein großer Wurf, kein neuer Klassiker des satirischen Biopics, aber ein solider Vertreter eines Genres, das Netflix inzwischen regelmäßig bedient. Und manchmal reicht das eben.

^{México 86} ^©Netflix

Fazit

„México 86“ steht klar in der Tradition von „The Wolf of Wall Street“, „Vice“ und „The Big Short“: Macht, Gier und Korruption werden als bitter-komische Farce erzählt. Der Film erreicht nie die Schärfe oder ikonische Energie seiner Vorbilder, funktioniert aber als flotte, zynische Satire über ein Geschäft, das sich als Fußballromantik tarnt.

Bewertung: 3 von 5.

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