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Filme | Kritiken

Enola Holmes 3

Titel Enola Holmes 3
Genre Abenteuer, Komödie
Jahr 2026
FSK 12
Regie Philip Barantini

Starttermin: 01.07.2026 | Netflix

Netflix setzt den Detektivbaukasten wieder zusammen

Nach dem ersten Fall hätte man „Enola Holmes“ eigentlich wieder in der Netflix-Schublade verschwinden lassen können, aus der er gekommen war: solide ausgestattet, bemüht modern, detektivisch überschaubar und getragen von einer Hauptfigur, deren permanente Direktansprache mehr Energie behauptete, als der Film tatsächlich besaß. Der zweite Teil machte es besser. Nicht gut, aber besser. Die Erzählung lief flüssiger, der Kriminalfall hatte zumindest mehr Zug, und Henry Cavill durfte als Sherlock Holmes gelegentlich so tun, als spiele er in einem interessanteren Film. Trotzdem blieb das Grundproblem bestehen: zu lang, zu glatt, zu harmlos – viel zu viel von Millie Bobby Browns Grimassenbetrieb. Für Netflix war das allerdings nie ein ernsthaftes Hindernis. Die Formel stimmte. Bekannter Name, bekannte Marke, junge Zielgruppe, Kostüme, ein bisschen Feminismus aus dem Baukasten, ein bisschen Holmes-Mythos für alle, die bei Sherlock sofort einsteigen, und genug Tempo, damit niemand zu lange über die dünne Dramaturgie nachdenkt. Dass „Enola Holmes 2“ kein guter Film war, musste seinen Erfolg also nicht verhindern. Er erfüllte exakt das, was Netflix von solchen Stoffen erwartet: Wiedererkennbarkeit, Anschlussfähigkeit, Algorithmus-Futter. Nun macht „Enola Holmes 3“ genau dort weiter.

^{Enola Holmes 3} ^©Netflix

Diesmal führt der Fall Enola Holmes (Millie Bobby Brown) nach Malta, wo persönliche und berufliche Pläne ziemlich unsanft ineinanderkrachen. Eigentlich steht die nächste große Lebensentscheidung bevor: Enola will Lord Tewkesbury (Louis Partridge) heiraten. Doch die Feierlichkeiten werden unterbrochen, als ihr Bruder Sherlock Holmes (Henry Cavill) verschwindet beziehungsweise entführt wird. Gemeinsam mit Tewkesbury und Dr. Watson (Himesh Patel) nimmt Enola die Suche auf und gerät in eine Intrige, die größer, gefährlicher und internationaler wirken soll als ihre bisherigen Fälle. Zwischen Hochzeitschaos, Familienbanden, kolonialem Malta und Holmes’schem Rätselspiel muss Enola also erneut beweisen, dass sie nicht nur Sherlocks kleine Schwester ist – und „Enola Holmes 3“ vielleicht doch noch zur Rettung einer angeschlagenen Reihe wird, die von Anfang an auf wackeligen Beinen stand. Ob Ersteres gelingt, wäre ein Spoiler, wenngleich die Antwort selbstverständlich bereits klar sein dürfte – letzteres hingegen funktioniert ganz sicher nicht.

„Enola Holmes 3“ macht einen potenziellen Teil 4 nicht verlockender

Man fühlt sich langsam wie ein Leierkastenmann, wenn man jedes Mal aufs Neue dieselben Worte finden muss, sobald sich Millie Bobby Brown über die Leinwand oder wahlweise den heimischen Bildschirm grimassiert. Aber was soll man machen? Wäre seitens des „Stranger Things“-Stars irgendwann so etwas wie eine darstellerische Entwicklung festzustellen, ließe sich auch einmal etwas anderes schreiben. Vielleicht liegt genau darin der Grund, warum Brown weniger wie ein Kinostar wirkt als wie eine Netflix-Gewohnheit. Abseits ihrer beiden „Godzilla“-Auftritte – jeweils in eher überschaubaren Rollen – hat sich ihre Karriere vor allem auf dem Streamingdienst eingerichtet: „Stranger Things“, „Enola Holmes“, „Damsel“, „The Electric State“. Eine erstaunlich erfolgreiche, aber ebenso erstaunlich geschlossene Plattformkarriere. Und zu Netflix passt das leider ziemlich gut. Große Gesten, wenig dahinter. Zumindest dann, wenn es um jene mainstreamtaugliche Fließbandware geht, die Browns Vita inzwischen so prominent durchzieht. So ist es auch hier zunächst wieder die emoji-eske Visagenakrobatik, die sie aufs Parkett legt, sobald irgendeine Emotion gefragt ist. Erstaunen? Augen auf. Entschlossenheit? Kinn nach vorn. Verletzlichkeit? Mund leicht offen. Dazwischen ein paar hektische Blicke in Richtung Kamera, als müssten emotionale Regungen nicht gespielt, sondern für ein GIF vorbereitet werden. Das strengt an – und zwar jedes Mal aufs Neue.

^{Enola Holmes 3} ^©Netflix

Abseits dieser Gesichtsentgleisungen, die mit Schauspiel nur sehr entfernt verwandt sind und vermutlich besser bei einer Runde „Scharade“ oder „Activity“ am heimischen Wohnzimmertisch aufgehoben wären, macht „Enola Holmes 3“ auch sonst munter dort weiter, wo die Reihe schon vorher ihre größten Schwächen hatte. Es fehlt der Drive, es fehlen die guten Ideen, es fehlt die raffinierte Geschichte. Von echter Charakterzeichnung ganz zu schweigen. Optisch mag das auch im dritten Anlauf wieder routiniert daherkommen, mit okayen Kostümen, ordentlichen Kulissen und jener polierten Netflix-Oberfläche, die immer nach Standard-Produktion aussieht, aber selten nach Kino. Nur macht das eben noch lange keinen guten Film. Ob Teil 4 bereits in der Pipeline steckt, darüber hält sich Netflix bislang bedeckt. Die Befürchtung jedoch ist da – die Lust darauf liegt nach der inzwischen dritten Schlaftablette allerdings tief unterhalb der Nachweisgrenze.

^{Enola Holmes 3} ^©Netflix

Fazit

„Enola Holmes 3“ setzt die Schwächen der Reihe zuverlässig fort: solide ausgestattet, aber dramaturgisch dünn, als Detektivgeschichte belanglos und durch Millie Bobby Browns anstrengenden Grimassenbetrieb zusätzlich belastet. Netflix bekommt seine Formelware – ein guter Film wird daraus trotzdem nicht.

Bewertung: 1 von 5.

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The Piano Tuner | Film – Kritik: Leo Woodall knackt den richtigen Ton

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Abenteuer, Komödie
The Piano Tuner

Titel The Piano Tuner
Genre Drama, Komödie
Jahr 2026
FSK 12
Regie Daniel Roher

Kinostart: 02.07.2026

Leo Woodall überzeugt als sensibler Tresorknacker wider Willen

Man könnte meinen, das Kino würde inzwischen nach einer Gebrauchsanweisung funktionieren. Ein großer Name auf dem Poster. Eine Prämisse, die sich in einem Satz verkaufen lässt. Figuren, die genau das tun, was das Drehbuch von ihnen verlangt. Ein paar emotionale Zwischenstopps, ein Finale, das möglichst niemanden überfordert. Punkt A, Punkt B, Abspann. Die eigentliche Überraschung besteht meist nur noch darin, wie routiniert – oder eben auch nicht –, diese Checkliste abgearbeitet wird. „The Piano Tuner“ schlägt da einen angenehm andersartigen Ton an. Weder lauter, noch spektakulärer und schon gar nicht mit dem Drang, größer sein zu müssen als die davor. Daniel Roher verlässt sich auf etwas, das im modernen Genrekino fast aus der Mode gekommen ist: Fingerspitzengefühl. Sein Film tritt keine Türen ein. Er legt das Ohr an seine Figuren, hört auf Zwischentöne, auf das leise Klicken im Inneren. Und irgendwann ist dieses Schloss offen. Nicht aufgebrochen. Geöffnet.

^{The Piano Tuner ©Black Bear Pictures}

Niki (Leo Woodall) wollte Konzertpianist werden, bis ihm sein eigenes Gehör zum Gegner wurde. Eine auditive Hypersensibilität macht die Welt für ihn zu einem Lärmraum, in dem selbst Alltagsgeräusche eine Zumutung sein können. Geblieben ist die Musik nicht als Bühne, sondern als Handwerk. Gemeinsam mit Harry (Dustin Hoffman), einem alten Klavierstimmer mit trockenem Witz und müder Wärme, stimmt er Instrumente für andere Menschen, während sein eigener Traum längst verstimmt im Hintergrund steht. Bei einem Auftrag gerät Niki zufällig in einen Überfall und entdeckt, dass sein feines Gehör nicht nur Klaviere lesen kann, sondern auch Tresore. Aus der Last wird eine Fähigkeit. Aus einem neu entdeckten Talent, die Chance, dem sich zwischenzeitlich erkrankten und in stationärer Behandlung befindenden Harry finanziell unter die Arme zu greifen. Gleichzeitig begegnet er Ruthie, einer Pianistin, die ihm wieder eine Richtung gibt. Auf dem Papier klingt das durchaus nach Baukasten. Der gescheiterte Traum. Der Mentor. Die Frau als neuer, tonangebender Impuls im Leben. Der kriminelle Abzweig. Man kennt die Einzelteile. Nur setzt Roher sie nicht zusammen, als müsse daraus ein möglichst glatter Crowdpleaser entstehen. „The Piano Tuner“ rennt keiner Handlung hinterher. Er lässt seine Figuren vorangehen. Entscheidend ist weniger, welcher Safe als Nächstes geöffnet wird, sondern was mit Niki passiert, wenn sich eine Tür auftut, die er nie gesucht hat.

Wo „The Piano Tuner“ seine stärksten Töne findet

Leo Woodall („Vladimir“) trägt das mit einer erstaunlichen Selbstverständlichkeit. Nach kleineren Rollen wie in „The White Lotus“ und „Nürnberg“, in denen er bereits Akzente setzen konnte, bekommt er in „The Piano Tuner“ endlich den Raum, den ein Schauspieler braucht, um eine Figur wirklich atmen zu lassen. Sein Niki ist kein cooler Sonderling, kein Genietyp mit Schattenblick, kein weiteres beschädigtes Männerklischee mit hübscher Macke. Er ist sensibel, verletzlich, offen, loyal. Einer, der Schutz sucht und trotzdem Halt gibt. Woodall besitzt dieses natürliche Charisma, das nicht um Aufmerksamkeit bittet. Es ist einfach da. In einem Blick. In einem halben Lächeln. In der Art, wie er eine Szene ausfüllt, ohne sie an sich reißen zu wollen. Fast noch schöner wird es, wenn Dustin Hoffman („As They Made Us“) danebensteht. Die Vater-Sohn-Beziehungen von Harry und Niki wirken authentisch und fußen auf einem vertrauten Gefühl für Bindungen, die sich aus Gewohnheit, Reibung und unausgesprochenem Vertrauen bilden. Zwei Männer, die einander vermutlich nie sagen würden, wie viel sie sich bedeuten. Also tun sie es anders. Über Arbeit. Über kleine Sticheleien. Über ihre bloße Anwesenheit. Hoffman spielt das wunderbar unaufgeregt, mit Wärme, Witz und jener Altersmüdigkeit, die nicht bitter wirkt, sondern erfahren. Am Rand des Mainstreams hat man eine solche Männerfreundschaft zuletzt vielleicht bei „Ziemlich beste Freunde“ ähnlich selbstverständlich gesehen. Dass all das nicht in Behäbigkeit kippt, liegt auch an der Form.

^{The Piano Tuner ©Black Bear Pictures}

Das Sounddesign ist fantastisch, weil es nicht bloß die Besonderheit der Figur illustriert, sondern Nikis Wahrnehmung in den Körper des Films übersetzt. Geräusche schneiden plötzlich durch Räume. Stille bekommt Gewicht. Ein Ton kann Gefahr sein, Erinnerung, Hoffnung. Dazu kommen ein wacher Schnitt und eine Inszenierung, die die Geschichte mit erstaunlicher Leichtfüßigkeit vorantreiben. Drama, Romanze, Kriminalspannung und trockener Humor laufen nicht nebeneinander her, sondern ineinander. Keine Genretrenntüren. Eher ein fein gestimmter Mechanismus, bei dem ein Zahnrad ins andere greift. Der Wermutstropfen liegt dort, wo dieser Mechanismus am stärksten nach außen sichtbar wird. Den Thriller-Plot braucht es, weil er Niki aus seinem gedämpften Dasein holt, nur wird er auf den letzten Metern etwas zu gängig. Auch der später angehängte Strang um Jean Reno fühlt sich an, als würde noch einmal ein Riegel vorgeschoben, obwohl der Film das Schloss längst geöffnet hat. Nicht schlimm. Aber spürbar. Es bleibt ein charmanter, liebenswerter Film. Wohlfühlkino, ohne Watte. Berührend, ohne sich aufzudrängen. Herzergreifend, wenn es sein muss. Leicht, wenn es sein darf – und getragen von Figuren, denen man irgendwann nicht mehr beim Funktionieren einer Geschichte zusieht, sondern beim Leben. „The Piano Tuner“ ist kein Film, der die Tür eintritt. Er lauscht, tastet, wartet auf den richtigen Moment. Dann macht es leise Klick.

^{The Piano Tuner ©Black Bear Pictures}

Fazit

„The Piano Tuner“ ist charmantes Wohlfühlkino mit feinem Gespür für Figuren, Ton und Zwischentöne. Getragen von Leo Woodall, Dustin Hoffman und einem fantastischen Sounddesign stimmt Daniel Roher einen Film, der berührt, ohne sich aufzudrängen.

Bewertung: 4 von 5.

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Drama, Komödie
Little Brother

Titel Little Brother
Genre Komödie
Jahr 2026
FSK 16
Regie Matt Spicer

Starttermin: 26.06.2026 | Netflix

Stumpf ist Trumpf – warum diese Netflix-Komödie trotzdem funktioniert

Blut ist dicker als Wasser, heißt es. Ein Satz, der so oft wiederholt wurde, dass man fast vergisst, wie bequem er eigentlich ist. Als würde Familie allein durch Biologie entstehen. Durch Nachnamen, Stammbäume, zufällige Ähnlichkeiten im Gesicht. Dabei kann ein großer Bruder auch jemand sein, der gar keiner ist. Der etwas ältere Junge von nebenan, der einem zeigt, wie man heimlich länger draußen bleibt. Der erste, der einem eine Zigarette anbietet, obwohl beide keine Ahnung haben, was daran cool sein soll. Einer, der einem schlechte Musik vorspielt, gute Filme empfiehlt, vor anderen den Mund aufmacht, wenn man selbst noch keinen Ton herausbekommt. Brüderlichkeit entsteht nicht immer im Kinderzimmer. Manchmal wächst sie auf Bolzplätzen, in Treppenhäusern oder an Bushaltestellen. Und manchmal reicht schon eine einzige Person, die für einen kurzen Moment zur wichtigsten der Welt wird. Netflix macht aus genau dieser Idee den Ausgangspunkt von „Little Brother“ und nutzt sie als Sprungbrett für eine derbe Buddy-Komödie, die ihre Figuren von einer absurden Eskalation in die nächste schickt.

^{Little Brother} ^©Netflix

Für Marcus (Eric André) ist Rudd (John Cena) bis heute genau dieser große Bruder geblieben – obwohl die beiden sich im Rahmen eines Mentorenprogramms gerade einmal fünfmal begegnet sind. Während Rudd diese Episode längst vergessen hat und als Immobilienmakler verzweifelt versucht, aus dem Schatten seines milliardenschweren Bruders Josh (Christopher Meloni) herauszutreten, hält Marcus noch immer an dieser kurzen Verbindung fest, als wäre sie ein Familienersatz mit Ewigkeitsversprechen. Dreißig Jahre später flieht er aus einer psychiatrischen Einrichtung und steht plötzlich vor Rudds Haustür. Ausgerechnet jetzt, wo eine Reality-TV-Show dessen Karriere retten soll. Viel mehr braucht „Little Brother“ eigentlich gar nicht. Die Geschichte ist kein großer Erzählapparat, sondern eine ziemlich dankbare Versuchsanordnung: zwei Männer, ein Missverständnis von Nähe, jede Menge Kränkungspotenzial. Das erinnert in seinen besseren Momenten an jene Komödien, mit denen die Farrelly-Brüder einst berühmt wurden. An Filme, die keine Angst davor hatten, geschmacklos, laut oder einfach herrlich albern zu sein, solange unter dem ganzen Krawall noch ein Rest Menschlichkeit zu erkennen war.

Little Brother, große Klappe

Ausgerechnet am selben Tag schickt auch Bobby Farrelly mit „Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe“ auf Prime Video eine neue Komödie ins Rennen. Die setzt allerdings auf Coming-of-Age, Romantik und warme Zwischentöne. „Little Brother“ fühlt sich dagegen deutlich näher an der alten Farrelly-Schule an – dort, wo Peinlichkeitskomik, körperlicher Schmerz und absurder Slapstick nicht als Betriebsunfall gelten, sondern als Arbeitsprinzip. Das Netflix Original versucht gar nicht erst, schlauer zu wirken, als es ist. Statt die eher dünne Handlung mit Bedeutung aufzupumpen, verlässt er sich auf das, was solche Komödien tragen muss: Tempo, Timing und zwei Darsteller, die wissen, wann sie einander Raum lassen müssen. Eric André ist dabei der Störfall auf zwei Beinen. Marcus platzt in Situationen hinein, überschreitet Grenzen, ignoriert jede soziale Warnlampe und bringt selbst einfache Pläne innerhalb weniger Minuten zum Einsturz. Dass diese Figur trotzdem nicht bloß nervt, liegt an André, der unter dem ganzen Wahnsinn eine seltsam kindliche Verletzlichkeit mitschleppt, ohne daraus gleich ein großes Seelendrama zu machen. John Cena bildet dazu den richtigen Gegenkörper. Es bestätigt sich einmal mehr, dass seine größten Stärken nicht im bierernsten Actionfach liegen. Dort wirkt er oft austauschbar, als hätte jemand einem sehr großen Mann Dialoge in die Hand gedrückt und gehofft, dass es reicht. In Komödien dagegen besitzt Cena ein bemerkenswertes Gespür für Reaktionskomik. Viele Lacher entstehen nicht aus der Pointe selbst, sondern aus diesem kurzen Moment danach: ein Blick, ein Zucken, eine Sekunde innerer Kapitulation. Gerade weil er nicht versucht, Eric André zu übertrumpfen, sondern dessen Chaos wie eine Zumutung aushält, funktioniert ihr Zusammenspiel so gut.

^{Little Brother} ^©Netflix

Natürlich zündet nicht jeder Witz. Bei einer Komödie, die so bereitwillig durch den Schlamm robbt, wäre alles andere auch verdächtig. Manche Gags sind plump, manche werden etwas zu lange geritten, andere kommen mit so wenig Schamgefühl um die Ecke, dass man kurz entscheiden muss, ob man lachen oder die Augen verdrehen will. Oft gewinnt das Lachen. Weil „Little Brother“ seine eigene Dummheit nicht versteckt, sondern mit einer erstaunlichen Selbstsicherheit vor sich herträgt. Gerade das wirkt im heutigen Streaming-Einerlei fast befreiend. Hier wird nicht weichgespült, nicht dauernd zwinkernd relativiert, nicht jeder Moment auf Verträglichkeit gebürstet. Dass das Netflix Original zum Schluss trotzdem nicht einfach nach dem letzten Krawall umfällt, passt zu dieser Mischung. Das Finale macht aus Marcus und Rudd keine großen Sinnbilder beschädigter Männlichkeit, es quetscht ihnen auch keine therapeutische Lebensweisheit aus den Rippen. Es gönnt ihnen nur einen versöhnlichen Moment, der klein genug bleibt, um nicht falsch zu wirken. Vielleicht ist genau das der Grund, warum „Little Brother“ besser funktioniert, als seine Einzelteile vermuten lassen. Der Film ist laut, derb, manchmal daneben und selten besonders elegant. Aber er hat Timing, ein starkes Duo und genug Herz unter der Schmutzschicht. Kein Klassiker. Aber ein verdammt unterhaltsamer Abend.

^{Little Brother} ^©Netflix

Fazit

„Little Brother“ erfindet die Buddy-Komödie nicht neu, erinnert aber daran, warum dieses Genre so gut funktionieren kann. Eric André und John Cena tragen den Netflix Film mit perfektem Timing, viel Chaos und ehrlicher Herzlichkeit. Laut, derb, dumm – und genau deshalb erstaunlich sympathisch.

Bewertung: 3.5 von 5.

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Komödie

Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe

Titel Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe
Genre Komödie
Jahr 2026
FSK 12
Regie Bobby Farrelly

Starttermin: 26.06.2026 | Prime Video

Prime Video trifft den Nerv des Erwachsenwerdens

Es gab eine Zeit, da haben die Farrelly-Brüder jede Komödie behandelt, als müsste sie dem Publikum erst einmal mit Anlauf gegen das Schienbein treten. Alles war lauter, schmutziger und geschmackloser als nötig. Genau deshalb funktionierte es. Zwischen Fremdscham, Fäkalwitzen und völlig entgleisten Situationen steckte immer eine erstaunliche Zuneigung für ihre Figuren. Selbst die größten Idioten durften am Ende Menschen bleiben. Heute macht Bobby Farrelly („Dear Santa – Teuflische Weihnachten“) andere Filme. Schon mit „Champions“ zeigte er, dass er niemanden mehr schockieren muss, um zu unterhalten. Die Geschichte eines Basketball-Außenseiterteams war damals ungefähr so neu wie der Ballsport selbst – und trotzdem ging sie auf, weil Farrelly verstand, dass Originalität manchmal überschätzt wird. Nicht jede Komödie muss das Genre neu erfinden. Manchmal reicht es völlig, bekannte Zutaten so zusammenzusetzen, dass man die Menschen darin einfach gerne begleitet. Genau nach diesem Prinzip funktioniert auch „Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe“ auf Prime Video.

^{Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe} ^{©Prime Video}

Die Geschichte selbst kennt praktisch jeder. Jeremy (Sam Nivola) glaubt, seine Beziehung retten zu müssen, stiehlt kurzerhand den Wagen seiner Fahrschule und fährt mit drei Mitschülern quer durchs Land seiner Freundin hinterher. Natürlich geht dabei alles schief, was schiefgehen kann. Erwachsene nehmen die Verfolgung auf, Freundschaften werden auf die Probe gestellt und irgendwo zwischen Autobahn, Tankstellen und schlechten Entscheidungen merken die Jugendlichen langsam, dass Erwachsenwerden selten nach Plan verläuft. Neu ist daran fast nichts. Roadtrips gehören seit Jahrzehnten zum Inventar des Teenie-Kinos. Schon Anfang der 2000er schickten solche Filme ihre Figuren auf die Straße, weil Freiheit auf vier Rädern eben aufregender wirkt als jedes Kinderzimmer. Auch „Driver’s Ed“ erzählt letztlich vom ersten richtigen Loslassen, von Freundschaft, von der Suche nach dem eigenen Platz und von der großen Liebe, die sich mit achtzehn oft größer anfühlt, als sie am Ende tatsächlich ist. Das Überraschende ist nicht die Geschichte. Das Überraschende ist eher, wie selbstverständlich Bobby Farrelly die Sprache und Sorgen seiner jungen Figuren versteht und den klassischen Roadtrip in die Gegenwart holt. Dadurch bekommt der Roadtrip genau das Gefühl, das solche Filme brauchen: Man möchte einfach noch ein Stück mitfahren.

Amazon setzt auf Wohlfühlkino statt Krawall-Komödie

Auch der Humor findet dabei eine angenehme Balance. Natürlich merkt man, dass hier ein Farrelly am Werk ist. Die Pointen sitzen locker, manche Situationen eskalieren herrlich unnötig und Yoshis Drumherumreden, ob er nun Drogen dabei hat oder nicht, entwickelt sich zu einem Running Gag, der mit jeder Wiederholung ein bisschen besser funktioniert. Gleichzeitig ist das alles deutlich zahmer als früher. Die Zeiten von provozierendem Klamauk scheinen endgültig vorbei zu sein. Stattdessen bewegt sich der Film spürbar näher an einer Generation, für die Selbstfindung, Identität und gegenseitiger Respekt selbstverständlich zum Erwachsenwerden dazugehören. Das macht „Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe“ vielleicht weniger anarchisch als die alten Farrelly-Komödien, nimmt ihm seinen Charme aber keineswegs. Am ehrlichsten ist der Amazon Film ohnehin dort, wo er seine Liebesgeschichte nicht künstlich aufbläht. Bobby Farrelly macht sich darüber weder lustig noch verklärt er das unbeschreibliche Gefühl der ersten Liebe. Er zeigt einfach, dass Erwachsenwerden manchmal bedeutet zu akzeptieren, dass man sich erst selbst finden muss, bevor man dauerhaft mit jemand anderem glücklich werden kann.

^{Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe} ^{©Prime Video}

„Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe“ wird die Teenie-Komödie nicht neu definieren. Das will Bobby Farrelly aber offensichtlich auch gar nicht. Er erinnert vielmehr daran, dass manche Geschichten zeitlos sind, wenn sie mit den richtigen Figuren, einer guten Portion Humor und viel Herz erzählt werden. Der Film kennt seine Grenzen, macht aus ihnen aber keinen Makel. Er versucht nicht, lauter, wilder oder moderner zu wirken, als er ist, sondern vertraut auf ein Gefühl, das im Teenie-Kino schon immer funktioniert hat: ein Auto, ein paar Freunde, eine schlechte Idee und die kurze Illusion, dass hinter der nächsten Kurve das eigene Leben wartet. Man steigt aus diesem Roadtrip nicht mit dem Gefühl aus, etwas noch nie Dagewesenes gesehen zu haben. Aber mit einem Lächeln. Und manchmal ist genau das völlig ausreichend.

^{Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe} ^{©Prime Video}

Fazit

Nicht jede Komödie muss das Genre neu erfinden. „Driver’s Ed – Vorfahrt für die Liebe“ setzt auf bekannte Zutaten, sympathische Figuren und einen lockeren Humor, der ohne allzu viel Krawall auskommt. Charmant, ehrlich und unterhaltsam – auch wenn die großen Überraschungen ausbleiben.

Bewertung: 3.5 von 5.

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Komödie
In the Hand of Dante

Titel In the Hand of Dante
Genre Thriller, Historie
Jahr 2026
FSK 16
Regie Julian Schnabel

Starttermin: 24.06.2026 | Netflix

Von Venedig zu Netflix: „In the Hand of Dante“ bleibt ein schwieriger Film

Oscar Isaac, Gal Gadot, Gerard Butler, John Malkovich, Al Pacino, Jason Momoa – manche Castlisten sehen nicht aus wie eine Besetzung, sondern wie ein Versprechen. Nach großem Kino. Nach Prestige. Nach einem Film, der allein durch seine Namen genug Gewicht mitbringt, um auch Menschen anzulocken, die mit Dante Alighieri sonst vermutlich nur dann in Berührung kommen, wenn irgendwo das Wort „Inferno“ fällt. Wer also ohne Vorwissen auf „In the Hand of Dante“ stößt, könnte leicht etwas anderes erwarten. Ein historisches Epos vielleicht. Einen düsteren Thriller. Ein Netflix Starvehikel mit Oscar Isaac im Zentrum. Julian Schnabel macht daraus etwas, das mit all diesen Erwartungen nur am Rand zu tun hat. Schon bei der Weltpremiere bei den 82. Internationalen Filmfestspielen von Venedig soll der Film selbst ein experimentierfreudiges Festivalpublikum eher ratlos zurückgelassen haben. Das ist erst einmal kein Problem. Kino darf sperrig sein. Es darf sich querstellen. Es darf einem die Hand verweigern, statt artig durch seine Handlung zu führen. Vielleicht hätte genau darin sogar der Reiz liegen können: ein prominenter Cast als Köder, der ein breiteres Publikum unversehens in ein wilderes, ungezähmtes Kino zieht. Weg von sauber ausgeleuchteter Streamingware. Rein in ein Werk, das sich traut, größenwahnsinnig, widersprüchlich und unbequem zu sein. Nur stellt sich nach der Sichtung eine ziemlich unangenehme Frage: Ist „In the Hand of Dante“ wirklich der richtige Film für diese Mission?

^{In the Hand of Dante} ^©Netflix

Denn Maßlosigkeit allein ist noch kein Mut. Verwirrung noch keine Tiefe. Und ein Film, der sich benimmt, als müsse er in jeder Szene Kunst, Tod, Religion, Sünde, Begehren und gleich noch die ganze Menschheitsgeschichte verhandeln, kann am Ende auch einfach unter dem Gewicht seiner eigenen Wichtigkeit zusammenbrechen. Die Vorlage von Nick Tosches war schon kein Stoff, der nach einer einfachen Verfilmung gerufen hätte. Sein Roman aus dem Jahr 2002 bewegte sich zwischen literarischem Fiebertraum, historischer Gelehrsamkeit und dreckiger New Yorker Unterwelt. Dante und Gangster. Heiligenverehrung und Obszönität. Manuskriptkunde und Gewaltfantasie. Schnabel nimmt all das nicht nur auf, er schüttet noch mehr Öl ins Feuer. In der Gegenwart taucht ein angebliches Originalmanuskript von Dantes „Göttlicher Komödie“ auf – ein Fund, der den Literaturbetrieb erschüttern würde und sofort Begehrlichkeiten weckt. Das Dokument gerät in die Hände krimineller Mittelsmänner und landet schließlich im Umfeld des New Yorker Gangsterbosses Joe Black (John Malkovich). Von dort aus beginnt eine Jagd nach einem Stück Papier, das längst nicht mehr nur historisches Artefakt ist, sondern Projektionsfläche für Gier, Macht, Glauben und den sehr menschlichen Irrsinn, alles besitzen zu wollen, was eigentlich unberührbar bleiben sollte.

Wenn aus Bedeutung am Ende nur Behauptung wird

Parallel dazu springt die Handlung ins Leben von Dante Alighieri (Oscar Isaac). Nach seiner Verbannung aus Florenz durch Papst Bonifacio VIII. (Gerard Butler) irrt Dante krank, mittellos und innerlich zerrissen durch Italien. Er sucht Zuflucht, wird verfolgt, schreibt, leidet, hängt in einer Ehe mit Gemma Donati (Gal Gadot), die kaum mehr ist als eine gesellschaftliche Tatsache, und klammert sich zugleich an den Geist seiner verstorbenen Muse Beatrice. Aus Schuld, Sehnsucht, religiöser Angst und dichterischem Wahn soll nach und nach jenes Werk entstehen, das später als „Göttliche Komödie“ in die Literaturgeschichte eingeht. Das klingt nach Rausch. Nach einem Film über Kunst, der selbst Kunst sein will. Nach Gangsterkino, Gottesangst und Höllenfahrt. Und für ungefähr dreißig Minuten funktioniert dieser Größenwahn sogar. Dann schaut man auf die Laufzeit und merkt: Es liegen noch mehr als zwei Stunden vor einem. Blöd. Schnabels Gegenwartsebene sieht in ihrem fast chromglänzenden Schwarz-Weiß-Look zunächst großartig aus. Auch der unverhohlene Blick Richtung Tarantino stört am Anfang kaum. Wenn Gerard Butler als redseliger Knochenbrecher durch diese Welt stapft, hat „In the Hand of Dante“ für einen Moment eine dreckige, komische, fast besoffene Energie. Da wird geredet, gedroht, geflucht und aufgedreht, als hätte sich jemand mit sichtbarer Freude in alten Gangsterposen gewälzt. Nicht subtil, sicher nicht. Aber lebendig. Nur hält dieser Zustand nicht lange. Irgendwann frisst sich der Schnack selbst auf. Was eben noch rotzig und überdreht wirkte, hängt plötzlich bleischwer im Raum, weil fast jeder Satz so klingt, als müsse er nebenbei noch Weltliteratur und Unterweltmythos miteinander verheiraten. Aus der Jagd nach dem Manuskript wird kein fiebriger Thriller, sondern ein immer breiter laufendes Durcheinander. Der Film stapelt Bedeutung, bis aus Bedeutung nur noch Behauptung wird. Er öffnet Räume, die er nicht betritt. Er wirft Figuren ins Bild, als würden berühmte Gesichter und finstere Blicke schon reichen, um Zusammenhang zu erzeugen.

^{In the Hand of Dante} ^©Netflix

Auch die historische Ebene leidet darunter. Dante, Beatrice, Gemma, Exil, Krankheit, Schuld, Visionen: Alles ist da, alles müsste Gewicht haben, alles müsste brennen. Doch Schnabel inszeniert diese Vergangenheit so ehrfürchtig und schwer, dass aus Schmerz irgendwann Dekor wird. Der Film scheint zu glauben, ein leidender Mann, ein paar geisterhafte Erscheinungen und der Schatten der „Göttlichen Komödie“ würden bereits genügen, um Tiefe herzustellen. Tun sie nicht. Die Liebe wirkt weniger unerreichbar als behauptet. Die Qual weniger spürbar als ausgestellt. Die Kunst weniger geboren als permanent angekündigt. So steht „In the Hand of Dante“ irgendwann zwischen seinen eigenen Filmen herum. Die Gegenwart will cool, dreckig und kultig sein, wirkt aber zunehmend angestrengt. Die Vergangenheit will groß, tragisch und spirituell sein, versinkt aber in ihrer eigenen Feierlichkeit. Dazwischen kippt eine Stimme aus dem Off noch mehr Bedeutung über ein ohnehin überladenes Gebilde. Am Ende ist dieser Film nicht sperrig, weil er seinem Publikum so viel zutraut. Er ist sperrig, weil er selbst keinen Weg durch seine Ideen findet. Er greift nach Hölle, Kunst und Erlösung – und landet in einem Labyrinth, das beeindruckend aussieht, aber nirgendwohin führt

^{In the Hand of Dante} ^©Netflix

Fazit

„In the Hand of Dante“ ist ein wuchtiger, eigensinniger und sichtbar ambitionierter Film, der kurz nach großem, wildem Kino riecht. Doch Schnabel verliert sich in Bedeutungsschwere, Symbolik und Pose. Was als Rausch beginnt, wird zur zähen Sitzprobe: voller Ideen, voller Namen – doch am Ende erschreckend leer.

Bewertung: 1.5 von 5.

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Historie, Thriller
Voicemails for Isabelle

Titel Voicemails for Isabelle
Genre Romanze, Komödie
Jahr 2026
FSK 12
Regie Leah McKendrick

Starttermin: 19.06.2026 | Netflix

Netflix erzählt von Trauer – und findet die Liebe

Trauer hat viele Gesichter. Nicht, weil sie sich ständig neu erfinden würde, sondern weil jeder Mensch seine eigene, oft ziemlich widersprüchliche Form dafür entwickelt. Manche reden darüber, andere vermeiden jedes Wort. Manche halten sich an Gegenständen fest, an Erinnerungen, Fotos oder Gewohnheiten. Und manchmal bleibt nur eine Stimme, gespeichert in einem Telefon, die längst nichts Neues mehr zu sagen hat und trotzdem noch immer zur wichtigsten Gesprächspartnerin wird. Im Netflix Original „Voicemails for Isabelle“ hat Jill (Zoey Deutch) ihre jüngere Schwester Isabelle an Mukoviszidose verloren. Was seitdem von ihr geblieben ist, sind alte Sprachnachrichten. Kleine Ausschnitte eines gemeinsamen Lebens, banal und intim, manchmal albern, manchmal doof, niemals für die Ewigkeit gedacht. Jill hört sie trotzdem immer wieder – so lange, bis es nicht mehr reicht. Sie beginnt, selbst auf Isabelles Nummer zu sprechen, erzählt von ihrem chaotischen Alltag in San Francisco, von der Arbeit, unbefriedigenden Männergeschichten, Fehltritten und all den Dingen, die man einer Schwester sagt, weil sie einen auch dann noch versteht, wenn man selbst längst nicht mehr weiß, was man eigentlich tut. Nur gehört die Nummer inzwischen jemand anderem.

^{Voicemails for Isabelle} ^©Netflix

Wes (Nick Robinson), ein zurückhaltender Immobilienmakler aus Austin, erhält plötzlich die Nachrichten einer fremden Frau, die glaubt, mit ihrer verstorbenen Schwester zu sprechen. Er hört zu. Erst verwundert, dann regelmäßig, irgendwann mit einer Nähe, die nur entstehen kann, wenn jemand alles von sich preisgibt – ungefiltert und echt. Wes verliebt sich in Jill, ohne dass sie weiß, dass er existiert. Und ja, genau hier beginnt „Voicemails for Isabelle“, eine RomCom zu sein. Nur braucht der Film beinahe eine Stunde, um an diesen Punkt zu gelangen. Das ist seine größte Stärke – und später auch sein einziges Problem. Zunächst nämlich gehört die Geschichte Jill und Isabelle. Ein warmer Auftakt führt zurück in ihre Kindheit, in Jahre, in denen Isabelles Krankheit zwar Teil ihres Lebens ist, aber noch lange kein Hindernis für ein einzigartiges Bündnis zwischen zwei Schwestern. Diese gemeinsame Vergangenheit ist so lebendig, dass man ihr gern länger gefolgt wäre. Wenn „Voicemails for Isabelle“ wenig später in die Gegenwart springt, verliert Regisseurin und Drehbuchautorin Leah McKendrick diese Wärme nicht. Isabelle stirbt, doch der Film macht daraus kein berechnendes Rührstück. Er vertraut auf den Moment, auf die Beziehung der beiden Schwestern und vor allem auf Zoey Deutch, die Jills Trauer weder mit großen Gesten ausstellt noch in eine gefällige Form bringt. Ihr Schmerz wirkt unvorbereitet, widersprüchlich und damit so ehrlich, wie Trauer eben sein kann. Aus der Geschichte zweier Schwestern wird ein Drama über das Leben danach, über den Versuch, einen Menschen loszulassen, ohne die Verbindung zu ihm aufgeben zu müssen.

Humor und Herz: Warum „Voicemails for Isabelle“ aus der Masse heraussticht

Deutch trägt diesen Wechsel mit einer Natürlichkeit, die längst zu ihren größten Stärken gehört. Schon in „Not Okay“ auf Disney+ konnte sie eine Figur mit viel Leben füllen, die auf dem Papier leicht zur überzeichneten Karikatur hätte werden können. Auch Jill sagt meistens zuerst, was ihr durch den Kopf geht, und denkt anschließend darüber nach, ob das besonders klug war. Sie ist unsicher, impulsiv – und doch nie auf jene liebenswerte Tollpatschigkeit reduziert, mit der RomComs ihre Hauptfiguren gern möglichst harmlos halten. Und wenn man schon jemandem dabei zusehen möchte, wie aus Trauer, Orientierungslosigkeit und einer Reihe schlechter Männergeschichten doch noch eine klassische Verliebtheit entsteht, dann Zoey Deutch. Sie besitzt genau jene natürliche Leichtigkeit, die selbst bekannte Genrewege für eine Weile wieder unverbraucht wirken lässt. Denn sobald Wes tatsächlich in Jills Leben tritt, wird „Voicemails for Isabelle“ zunehmend konventionell. Das Geheimnis ist gesetzt, der spätere Bruch unvermeidbar und auch die obligatorische Versöhnung dürfte für niemanden überraschend kommen, der schon einmal eine romantische Komödie gesehen hat. Trotzdem funktioniert die Annäherung. Nick Robinson bleibt neben Deutch zwar deutlich blasser, bringt aber genug zurückhaltenden Charme mit, damit Wes nicht nur wie ein Mann wirkt, der wochenlang die intimsten Nachrichten einer fremden Frau abhört und anschließend unangekündigt in ihrem Leben auftaucht. Zwischen beiden ist eine glaubhafte Verbindung zu spüren. Das zählt, selbst wenn der Film gegen Ende einige Konflikte allzu bereitwillig glättet und aus zwei Menschen mit echten Ängsten und Fehlern doch noch ein etwas zu ordentliches RomCom-Paar formt.

^{Voicemails for Isabelle} ^©Netflix

Seinen Humor findet der Film ohnehin weniger in der Romanze als in Jill selbst. In ihrer direkten Art, ihrer Unfähigkeit, peinliche Gedanken für sich zu behalten, und ihrem Talent, selbst gewöhnliche Situationen zuverlässig aus dem Gleichgewicht zu bringen. Dazu kommen Nebenfiguren, die McKendrick gerade so weit überzeichnet, dass sie komisch bleiben, ohne den Film vollständig in eine Karikatur zu verwandeln. Allen voran Nick Offerman als Jills cholerischer Küchenchef Bastien, der nach Ron Swanson in „Parks and Recreation“ zwar erneut sehr vertrautes Terrain betritt, dort aber noch immer zuverlässig Pointen findet. Der Humor steht der Trauer dabei nicht im Weg. Er gehört zu Jill, zu ihrem Leben und damit auch zu einer Geschichte, die verstanden hat, dass ein Verlust nicht jeden glücklichen oder absurden Moment für immer auslöscht. Die Romanze hätte es dafür eigentlich nicht gebraucht. Jill, Isabelle und die Sprachnachrichten tragen genug in sich, um „Voicemails for Isabelle“ auch ohne die üblichen Stationen einer Liebesgeschichte zusammenzuhalten. Ausgerechnet in dem Moment, in dem der Film zur RomCom wird, verliert er einen Teil seiner erzählerischen Eigenständigkeit. Kaputt macht das die vorherige Arbeit allerdings nicht. Dafür ist Deutch zu gut, die Beziehung der Schwestern zu glaubhaft und McKendricks Blick auf Trauer zu feinfühlig. Am Ende bleibt somit eine warmherzige, sehr lustige und tatsächlich rührende Tragikomödie, die deutlich mehr ist als das nächste uninspirierte Netflix Original. Nicht wegen ihrer Liebesgeschichte, sondern obwohl sie irgendwann glaubt, eine zu brauchen. Genau solche Filme dürfte Netflix ruhig häufiger machen.

^{Voicemails for Isabelle} ^©Netflix

Fazit

„Voicemails for Isabelle“ besitzt genau jenen Charme, der sich nicht aufdrängt, sondern langsam einschleicht. Eine warmherzige Tragikomödie voller Verständnis für die Widersprüche der Trauer, getragen von Zoey Deutch und einem Herzen, das selbst die konventionelle Romanze nicht kleinbekommt.

Bewertung: 3.5 von 5.

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